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Depuis leur première création («Toy Story» en 1996), les Studios Pixar n'ont cessé de marquer le septième art en réalisant des films à la pointe de la modernité. Pour «Là-haut», leur dixième création, les artistes associés ont à nouveau un coup d'avance, en ayant imaginé un personnage à l'opposé de tous les stéréotypes du genre.

Loin des superhéros au corps de rêve ou des animaux et autres objets (voitures, jouets, robots...) humanisés qui assiègent l'univers du film d'animation, le héros de «Là-haut» s'ancre dans une réalité bien plus concrète - et surprenante: celle d'un vieillard arthrosé et bougon.

Veuf de 78 ans, Carl Fredricksen souhaite vivre une fin de vie paisible dans sa maison, entouré de tous ses souvenirs qui lui rappellent Ellie, la seule et unique femme de sa vie. Or la bicoque se trouve aujourd'hui au beau milieu d'un énorme chantier. Pour ne pas voir sa maison détruite par les bulldozers, Carl, ancien vendeur de ballons, attache alors des milliers de baudruches à sa demeure, qui s'envole dans les airs...

C'est que l'homme a aussi un voyage à faire. Une expédition, comme une promesse à tenir, sur une terre vierge de l'Amérique du Sud, où lui et sa femme ont tant rêvé aller. Ellie et Carl ne s'étaient-ils pas justement aimés en raison de cette passion commune pour les grands aventuriers? Dans son périple à bord de cette étrange montgolfière, le vieux Carl devra aussi composer avec la compagnie impromptue d'un jeune pot de colle: Russell, un boy-scout aussi grassouillet que maladroit. Et ce n'est pas les retrouvailles, dans la jungle, avec un aventurier aigri qui va adoucir les choses...

Pour cette dixième création, Pixar a réussi avec force le pari du héros ordinaire. D'ailleurs plus le personnage se fait grincheux, et plus on l'aime. C'est que les réalisateurs ont su le rendre terriblement attachant, avec son énorme chagrin d'amour. Ce deuil si douloureux, mis en perspective de façon poignante par les premières minutes du film, qui revisitent, en quelques scènes fort émouvantes, la vie de ce couple.

Le film raconte comment leur existence s'est déroulée bien loin de leurs rêves fous d'échappées, mais dans l'amour et les petits bonheurs simples de la vie. Leur couple, c'était leur aventure. Un message glorifiant la simplicité, à contre-courant des fantasmes actuels de gloire et d'existence hors du commun.

Derrière le film d'aventures, entre suspense et comédie, se cache une magnifique histoire d'amour. D'amour éternel, comme on les aime tant au cinéma.

Il y a très exactement 75 ans, le 22 juillet 1934, John Dillinger, 31 ans, était abattu par les agents du Bureau d’Investigation, futur FBI, en sortant d’un cinéma - conclusion sanglante de treize mois de cavale et de braquages de banque qui en firent "l’ennemi public" de l’Amérique de la Dépression. Michael Mann retrace cette équipée sauvage dans un film somme - somme du genre et de son propre cinéma. C’est que le réalisateur de "Collateral" n’est jamais aussi inspiré que lorsqu’il pose sa caméra du côté des gangsters.

Le pluriel du titre pose apparemment question : qui sont "les" ennemis publics désignés ? Dillinger et ses complices John "Red" Hamilton (Jason Clarke), Homer Van Meter (Stephen Dorff) ou "Baby Face" Nelson (Stephen Graham) ? Ou s’agit-il de Dillinger et de Melvin Purvis, l’agent chargé de le mettre hors circuit ? Avec, respectivement, Johnny Depp et Christian Bale pour incarner ces deux figures, on est d’autant plus tenté de retenir cette option, que Michael Mann a souvent mis en scène le mimétisme entre chasseur et chassé - que l’on se souvienne de "Manhunter", première adaptation d’un roman de Thomas "Hannibal" Harris, ou de "Heat", première confrontation de Robert De Niro et Al Pacino. La véritable guérilla que se menèrent Dillinger et Purvis fut bel et bien publique, Dillinger étant le premier gangster de l’ère des mass media.

Si le scénario prend de nombreuses libertés avec les faits (exemple : "Baby Face" Nelson fut abattu quatre mois plus tard) il n’exagère en rien le feu de l’action. Dillinger et ses pairs inventèrent le grand banditisme, avec armes lourdes et prises d’otages, forçant la loi à répliquer balle pour balle dans de véritables batailles rangées. Mann, comme toujours, excelle dans l’exercice.

Mais "Public Enemies" ne serait qu’un banal film d’action, s’il ne multipliait les sous-textes. Citons l’ouverture du film où une phrase suffit à évoquer la banalité du début du parcours judiciaire de Dillinger (un vol à l’étalage), où un regard résume la loyauté réputée du malfrat et où une séquence dans une ferme désolée explique le statut de héros du braqueur aux yeux d’une population victime de la faillite financière (étrange écho au temps présent). Sans excès de didactisme, le film détaille encore la montée en puissance de J.Edgar Hoover (Billy Cudrup) et de son Bureau d’Investigation, futur état dans l’Etat, avec ses écoutes téléphoniques, ses filatures, ses informateurs et ses méthodes musclées.

Passionnante, aussi, est la mise en perspective de "Public Enemies" avec un genre cinématographique né durant la prohibition (et du vivant de Dillinger), qui remonte à "L’ennemi public" de William Wellman (1931). Joli clin d’œil, Mann montre Dillinger et ses lieutenants se réunissant dans un cinéma où passe à l’écran leur avis de recherche. Et c’est en allant voir un film de gangster - "Manhattan Melodram", où il était cité ! - que Dillinger fut abattu.

Enfin, Mann et son chef opérateur Dante Spinotti parachèvent leurs innovations formelles. Dès "Ali", ils exploitèrent occasionnellement les particularités des caméras numériques HD. Filmé intégralement en numérique, "Public Enemies" bénéficie d’une photographie des plus naturalistes et d’une incomparable profondeur de champ. Partant, Mann renouvelle profondément la grammaire du genre. Qui aurait jamais imaginé un film noir tourné à la flamme des sulfateuses ? Mann l’a fait !

Préférant l’intériorité à la performance mimétique, Johnny Depp et Christian Bale sont parfaits, le premier retrouvant un rôle sombre qui lui va comme un Borsalino. Face à lui, Marion Cotillard achève de séduire Hollywood, gommant son accent "frenchie". L’actrice bénéficie de deux très belles scènes, malgré une romance peut-être un peu forcée (le scénario édulcore la relation de Dillinger avec la prostituée qui l’accompagnait le jour où il fut abattu).

Un futur classique qui, s’il déstabilisera peut-être dans un premier temps, bonifiera sur la durée.

Réalisation Michael Mann. Scénario Ann Biderman, Ronan Bennett. Photographie Dante Spinotti. Montage Paul Rubell et Jeffrey Ford. Musique Elliot Goldenthal. Avec Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, etc.2h10

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Le succès de The Omen en 1976, malgré son petit budget, avait permis à Richard Donner de réaliser par la suite le premier Superman avec Christopher Reeves et plusieurs autres méga-succès comme Lethal Weapon, sans compter l’Oscar que The Omen avait valu à Jerry Goldsmith pour son inquiétante musique chorale en latin.

Trente ans plus tard, l’oeuvre a été reprise par John Moore, toujours sur le scénario de David Seltzer puisqu’il s’agit du même film presque plan pour plan. Seules ont été ajoutées une mort violente au début du film et quelques scènes de cauchemar. Et la décapitation, vers la fin, se passe autrement. Le nouveau film, tourné en République Tchèque, s’avère plus léché mais (du moins pour un spectateur qui a vu et revu l’original) bien moins intense.

La faute (si faute il y a) n’en revient pas juste aux acteurs. La critique a reproché à Liev Schreiber (vu antérieurement dans The Mandchurian Candidate) un jeu plutôt figé ; mais si on revoit Gregory Peck dans ce rôle de Robert Thorn, ambassadeur étatsunien à Rome puis à Londres, on note qu’il le jouait sans plus d’intensité. Mia Farrow incarne désormais la sinistre nanny, et Pete Postlethwaite (lugubre comme toujours) le père Brennan. David Thewliss, dans le rôle de l’infortuné photographe Jennings, succède à David Warner (à qui le site IMDb attribue près de deux cents rôles !).

L’histoire, faut-il le rappeler, est celle du couple Thorn dont le premier bébé s’avère mort-né. La mère ne le sait pas (on suppose que l’accouchement problématique s’est passé sous anesthésie), aussi l’ambassadeur Thorn se voit-il offrir, par un prêtre de l’hôpital romain où cela se passe, un nouveau-né dont la jeune mère est morte en couches, et dont le père est inconnu. Déchiré, Thorn accepte et présente le bébé à son épouse comme le leur propre. On l’appellera Damien (jamais un prénom ne se sera autant propagé dans la société occidentale à la suite d’un seul film…).

Saut, six ans dans le futur. Thorn est maintenant ambassadeur au Royaume-Uni et des choses dramatiques commencent à se produire: la jeune nanny de Damien se suicide lors de sa fête d’anniversaire, un vieux prêtre sert des mises en garde confuses à Thorn pour être ensuite empalé par la chute d’un paratonnerre, Katherine (l’épouse de Thorn) devient dépressive et commence à être hostile au bambin.

Un paparazzi, qui a des raisons de se sentir concerné par les mauvais présages (« omens ») se lance avec l’ambassadeur dans une enquête qui les mènera dans la Cité Éternelle puis en Terre Sainte. En un mot comme en cent, Damien (né d’un chacal femelle, et non d’une femme) serait le fils du démon, c’est-à-dire l’Antéchrist. Les chiffres 666 dissimulés à la racine de ses cheveux en constitueraient la preuve et quiconque menacerait l’avenir du garçon subira un sort tragique – dû à tout sauf au hasard.

Si vous êtes vraiment féru de fantastique biblique (et de cinéma), pourquoi ne pas vous offrir une séance de visionnement comparatif entre les deux versions ? Si en plus vous louez le coffret anniversaire du premier Omen, celui de Donner, vous aurez droit à des heures de matériel complémentaire, dont une bonne part s’avère intéressante. (Vous pensiez comme moi qu’il y avait eu deux suites au célèbre film? Eh bien il y en avait eu quatre, dont un téléfilm et le pilote d’une série télévisée jamais concrétisée.)

Pour la petite histoire, Harvey Stephens, qui incarnait le premier Damien aux joues roses et au sourire malicieux, joue un reporter dans The Omen 2006 (je ne l’ai pas vu, l’ayant su par la suite). Quant à son successeur, le petit Seamus Davey-Fitzpatrick, on l’a choisi dans un autre registre, plutôt pâle et renfrogné, choix qui se défend bien car son air taciturne a quelque chose d’inquiétant.